La historia del de la pintura alcanza detrás a tiempo a los artefactos de seres humanos prehistóricos, y atraviesa todas las culturas.

El también considera los artículos: Pintura, pintura occidental, historia del arte, historia de arte del este, esquema de la historia de la pintura.

Prehistoria

El también considera el arte prehistórico . Las más viejas pinturas sabidas están en el Grotte Chauvet en el Francia, demandada por algunos historiadores para ser cerca de 32. Se graban y se pintan usar el ocre rojo y el pigmento negro y demuestran a los caballos, al rinoceronte, a los leones, al búfalo, al mamut o a seres humanos buscando a menudo. Hay ejemplos de las pinturas de cuevas all over mundo-en el Francia, el la India, el España, el Portugal, el China, el Australia etc. que las varias conjeturas se han hecho en cuanto a el significado tuvieron que estas pinturas la gente que los hizo. Los hombres prehistóricos pudieron haber pintado animales al " catch" su alma o el alcohol para buscar los más fácilmente o las pinturas puede representar una visión y un homenaje animistas a la naturaleza circundante, o pueden ser el resultado de una necesidad básica de la expresión que es el natural a los seres humanos, o habrían podido estar para la transmisión de la información práctica.

Pintura del este

Pintura asiática del sur

Pintura india

considera también:

indio de la pintura Las pinturas indias giraron históricamente alrededor de las deidades y de los reyes religiosos. El arte indio es un término colectivo para varias diversas escuelas del arte que existieron en el subcontinente indio . Las pinturas variaron de frescos grandes Ellora a las pinturas miniatura intrincadas de Mughal a los trabajos embellecidos metal de la escuela de Tanjore . Las pinturas Gandhar - el Taxila es influenciado por los trabajos persas en el oeste. El estilo del este de la pintura fue desarrollado sobre todo alrededor de la escuela de Nalanda del arte. Los trabajos son inspirados sobre todo por varias escenas de la mitología india .

Historia
Las pinturas indias más tempranas eran las pinturas de los tiempos prehistóricos, los petroglifos de la roca según lo encontrado en lugares como los abrigos de la roca de Bhimbetka, y algunos de ellos son más viejos que el 5500 A. Tales trabajos continuaron y después de varios milenios, en el siglo VII, tallaron pilares Ajanta, presente del estado del maharashtra un ejemplo fino de pinturas indias, y los colores, sobre todo las varias cortinas de rojo y de anaranjado, fueron derivados de los minerales.

El Ajanta excava en el maharashtra, la India es roca-cortó los monumentos de la cueva de que datan del segundo BCE del siglo y que contienen las pinturas y la escultura consideradas ser obras maestras del arte religioso budista y del arte ilustrado universal. ; Pintura de Madhubani La pintura de Madhubani es un estilo de la pintura india, practicado en la región de Mithila de estado de Bihar, la India. Los orígenes de la pintura de Madhubani se cubren en antigüedad, y los estados de una tradición que este estilo de la pintura originó a la hora Ramayana, cuando los artistas comisionados Janak de rey para hacer pinturas a la hora de la unión de su hija, Sita, con Sri Rama que se considera ser una encarnación hindú Vishnu del señor de dios . ; Pintura de Rajput Pintura, un estilo de Rajput de la pintura india, desarrollado y prosperado, durante el siglo XVIII, en las cortes reales Rajputana, la India . Cada reino de Rajput desarrolló un estilo distinto, pero con cierto campo común features.paintings representan a un número de temas, a acontecimientos de epopeyas como el Ramayana y a la vida de Mahabharata, de Krishna, a paisajes hermosos, y a seres humanos. Las miniaturas eran el medio preferred de la pintura de Rajput, pero varios manuscritos también contienen las pinturas de Rajput, y las pinturas incluso fueron hechas en las paredes de los palacios, compartimientos internos de las fortalezas, havelies, particularmente, los havelis de Shekhawait.

Los colores extraídos de ciertos minerales, de las fuentes de la planta, cáscaras de la concha, e incluso fueron derivados procesando las piedras preciosas, oro y la plata fue utilizada. La preparación de colores deseados era un proceso muy largo, tardando a veces semanas. Los cepillos usados eran muy finos. ; Pintura de Mughal La pintura de Mughal es un estilo particular de la pintura india, confinado a las ilustraciones en el libro y hecho generalmente en miniaturas, y que emergió, convertido y tomó forma durante el período décimosexto - diecinueveavo siglos del imperio de Mughal).

; Pintura de Tanjore La pintura de Tanjore es una forma importante del indio del sur clásico que pinta nativo a la ciudad Tanjore en el Tamil Nadu . La forma de arte data del siglo IX temprano, un período dominado por los reglas de Chola, que animaron el arte y la literatura . Estas pinturas se saben para su elegancia, colores ricos, y atención al detalle. Los temas para la mayor parte de estas pinturas son dioses y diosas y escenas hindúes de la mitología hindú . En tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo mucho solicitado durante ocasiones festivas en la India del sur.

El proceso de hacer una pintura de Tanjore implica muchas etapas. La primera fase implica la fabricación del bosquejo preliminar de la imagen en la base. La base consiste en un paño pegado sobre una base de madera. Entonces el polvo de la tiza o el óxido de cinc se mezcla con el pegamento soluble en agua y se aplica en la base. Para hacer el pulidor bajo, un suave abrasivo se utiliza a veces. Después de que se haga el dibujo, la decoración de la joyería y de las ropas en la imagen se hace con las piedras semipreciosas. Los cordones o los hilos de rosca también se utilizan para adornar la joyería. Encima de esto, se pegan las hojas de oro. Finalmente, los tintes se utilizan para agregar colores a las figuras en las pinturas.

; La escuela de Madras Durante regla británica en la India, la corona encontró que Madras tenía algunas de las mentes artísticas más talentosas y más intelectuales en el mundo. Pues los Británicos también habían establecido un establecimiento enorme en y alrededor de Madras, Georgetown fue elegida para establecer a un instituto que abastecería a las expectativas artísticas de los royals en Londres. Esto ha venido ser conocida como la escuela de Madras. En los primeros artistas tradicionales fueron empleados para producir variedades exquisitas de muebles, trabajo del metal, y los objetos curiosos y su trabajo fueron enviados a los palacios reales de la reina.

Desemejante de la escuela de Bengala donde está la norma el “copiado” de la enseñanza, de los flourishes de la escuela de Madras en “crear” nuevos estilos, de las discusiones y de las tendencias.

; La escuela de Bengala La escuela de Bengala del del arte era un estilo del arte influyente que prosperó en la India durante el Raj británico en el siglo a principios de siglo 20. Fue asociada al nacionalismo indio, pero también promovida y apoyada por muchos administradores de artes británicos.

La escuela de Bengala se presentó como una vanguardia y movimiento nacionalista que reaccionaba contra los estilos académicos del arte promovidos previamente en la India, por los artistas indios tales como Ravi Varma y en escuelas de arte británicas. Después de la influencia extensa de ideas espirituales indias en el del oeste, el británico Ernesto Binfield Havel del profesor de arte intentó reformar los métodos de enseñanza en la escuela de Calcutta del arte de los estudiantes encouraging para imitar las miniaturas de Mughal . Esta controversia inmensa causada, llevando a una huelga de los estudiantes y a las quejas de la prensa local, incluyendo de los nacionalistas que la consideraban ser un movimiento retrogresivo. Havel fue apoyado por el Abanindranath Tagore, sobrino del artista Rabindranath Tagore del poeta. Tagore pintó un número de trabajos influenciados por el arte de Mughal, un estilo que él y Havel creyeron ser expresivo de las calidades espirituales distintas de la India, en comparación con el " materialism" del oeste. La pintura más conocida de Tagore, Bharat Mata (madre la India), representó a mujer joven, retratada con cuatro brazos de la manera de deidades hindúes, los objetos de la tenencia simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Tagore intentó más adelante desarrollar acoplamientos con los artistas japoneses como parte de una aspiración para construir un modelo de la Cacerola-Asianist de arte.

La influencia de la escuela de Bengala en la India disminuyó con la extensión de las ideas modernistas en los años 20. En el período de la poste-independencia, los artistas indios demostraron más adaptabilidad mientras que pidieron prestados libremente de estilos europeos y los unieron libremente con los adornos indios a las nuevas formas de arte. Mientras que los artistas como el Francisco Newton Souza y el Tyeb Mehta eran más occidentales en su acercamiento, había otros como el Ganesh Pyne y el Maqbool Fida Hussain que desarrollaron estilos a fondo indígenas del trabajo. Hoy después del proceso de la liberalización del mercado en la India, los artistas están experimentando más exposición a la arte-escena internacional que les está ayudando en emerger con más nuevas formas de arte que no fueron consideradas hasta ahora en la India. El Jitish Kallat había tirado a la fama en el último 90s con sus pinturas que eran modernas y más allá del alcance de la definición genérica. Sin embargo mientras que los artistas en la India en el nuevo siglo están probando los nuevos estilos, temas y metáforas, no habría sido posible conseguir tal reconocimiento rápido sin la ayuda de las casas de negocio que ahora están incorporando el campo de arte como tenían nunca antes.

Pintura asiática del este

El considera también la pintura china, pintura japonesa, pintura coreana .

China, Japón y Corea tienen una tradición fuerte en la pintura que también se ata alto al arte de la caligrafía y Printmaking (tanto que está comúnmente - considerado como pintura). La pintura tradicional de Extremo Oriente es caracterizada por las técnicas a base de agua, menos realismo, " elegant" y temas estilizados, acercamiento gráfico a la pintura, la importancia del espacio blanco (o del espacio negativo ) y una preferencia por el paisaje (en vez de figura humana) como tema. Más allá de la tinta y del color en volutas de la seda o del papel, el oro en la laca era también un medio común en ilustraciones asiáticas del este pintadas. Aunque la seda fuera un medio algo costoso a pintar sobre en el pasado, la invención del papel durante el 1r ANUNCIO del siglo por el Cai Lun del eunuco de la corte de Han proporcionó medio no sólo barato y extenso para la escritura, pero un medio también barato y extenso para la pintura (que lo hace más accesible al público).

Las ideologías del confucionismo, del Daoism, y del Buddhism desempeñaron papeles importantes en arte asiático del este. Los pintores medievales de la dinastía de canción tales como Lin Tinggui y su Luohan que lava plancha (contenido en la galería más libre de Smithsonian del arte ) del siglo XII son ejemplos excelentes de las ideas budistas fundidas en ilustraciones chinas clásicas. En la 3ultima pintura en la seda (imagen y descripción proporcionadas en el acoplamiento), el budista calvo Luohan es representado en un ajuste práctico de la ropa que se lava por un río. Sin embargo, la pintura sí mismo es visualmente imponente, con el Luohan retratado en detalle rico y colores brillantes, opacos en contraste con un ambiente enselvado nebuloso, marrón, y suave. También, las tapas del árbol se cubren en la niebla que remolina, proporcionando el " común; space" negativo; mencionado anteriormente en arte asiático del este.

En el Japonisme, los artistas de fines del siglo diecinueve del siglo tienen gusto de los impresionistas, Van Gogh, Enrique de Toulouse-Lautrec y la marmota admirada los artistas japoneses tradicionales de Ukiyo-e como el Hokusai y Hiroshige y su trabajo fue influenciada por ella.

Pintura china

considera también:

la pintura china Los ejemplos (supervivientes) más tempranos de la fecha pintada china de las ilustraciones al período de estados que guerrean (481 - 221 A.), con las pinturas en murales de la seda o de la tumba en roca, ladrillo, o piedra. Estaban a menudo en formato estilizado simplista y adentro más-o-menos patrones geométricos rudimentarios. Representaron a menudo criaturas mitológicas, escenas domésticas, escenas de trabajo, o las escenas suntuosas llenadas de los funcionarios en la corte. Las ilustraciones durante este período y la dinastía de Qin subsecuente (ANUNCIO 221 - 207 A.) y la dinastía de Han (202 A. - 220) fueron hechas no como los medios de por sí o para una expresión personal más alta. Las ilustraciones fueron creadas algo para simbolizar y el Geomancy del honor, las derechas funerarias, las representaciones de deidades o de bebidas espirituosas mitológicas de antepasados, las pinturas del etc. en la seda de funcionarios judiciales y las escenas domésticas se podrían encontrar durante la dinastía de Han, junto con escenas de los hombres que buscaban a caballo o que participaban en desfile militar. También pintaba en obras de arte tridimensionales en las estatuillas y las estatuas, tales como los colores original-pintados que cubrían las estatuas del soldado y del caballo del ejército de la terracota. Durante el clima social y cultural de la dinastía de Jin del este antigua (el ANUNCIO 316 - 420) basada en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales del confuciano - funcionarios burocráticos enseñados y aristócratas (junto con la música jugada por la cítara de Guqin, escribiendo la caligrafía imaginaria, y escritura y el recitar de la poesía ). La pintura se convirtió en una forma común de self-expression artístico, y durante pintores de este período en la corte o entre los circuitos sociales de la élite fueron juzgados y alineados por sus pares.

El establecimiento de pintura de paisaje china clásica se acredita en gran parte al Gu Kaizhi (344 - del artista de la dinastía de Jin del este el ANUNCIO 406), uno de los artistas más famosos de la historia china. Como las escenas alargadas de la voluta de Kaizhi, los artistas chinos de la dinastía de espiga (618 - el ANUNCIO 907) como el Wu Daozi pintaron las ilustraciones vivas y alto detalladas en los handscrolls horizontales largos (que eran muy populares durante la espiga), por ejemplo su gente celestial del ochenta y siete. Las ilustraciones pintadas durante el período de la espiga pertenecieron los efectos de un ambiente idealizado del paisaje, con la cantidad escasa de objetos, personas, o actividad, así como monocromático en la naturaleza (ejemplo: los murales de la tumba de Yide del precio en el mausoleo de Qianling). Había también figuras tales como temprano Zhan Ziqian del pintor de la Espiga-era, que pintó las pinturas de paisaje magníficas que eran bien delante de su día en la representación del realismo. Sin embargo, el arte del paisaje no alcanzó el mayor nivel de madurez y de realismo en general hasta el período de las dinastías cinco y diez de los reinos (907 - el ANUNCIO 960). Durante este tiempo, había pintores excepcionales del paisaje como el dong Yuan (referir a este artículo por un ejemplo de sus ilustraciones), y los que pintaron pinturas más vivas y más realistas de escenas domésticas, como el Gu Hongzhong y sus Revels de la noche del de Han Xizai .

Durante la dinastía de canción china (960 - el ANUNCIO 1279), no sólo el arte del paisaje fue mejorado sobre, pero la pintura del retrato se estandardizó y se sofisticó que antes (por ejemplo, referir al emperador Huizong de la canción ), y alcanzó su madurez clásica de la edad durante la dinastía de Ming (1368 - el ANUNCIO 1644). Durante el último siglo XIII y la primera mitad del siglo XIV, chinos bajo Mongol - la dinastía de Yuan controlada no fue permitida incorporar postes más altos del gobierno (reservado para los Mongols u otros grupos étnicos de Asia central), y la examinación imperial fue cesada de momento. Muchos chinos Confuciano-educados que ahora carecieron la profesión dada vuelta a los artes de la pintura y del teatro en lugar de otro, como el período de Yuan se convirtió en una de las eras más vibrantes y más abundantes para las ilustraciones chinas. Un ejemplo de tales sería Qian Xuan (1235– ANUNCIO 1305), que era un funcionario de la dinastía de canción, pero fuera del patriotismo, rechazado para servir la corte de Yuan y dedicado a la pintura. Los ejemplos del arte magnífico a partir de este período incluyen los murales pintados ricos y detallados del palacio de Yongle [http://www.php3?m=245&c=55], o el " Longevidad Palace" de Dachunyang;, del ANUNCIO 1262, un sitio del patrimonio mundial de la UNESCO . Dentro del palacio, las pinturas cubren un área de más de 1000 metros cuadrados, y celebran sobre todo los temas de Daoist. Estaba durante la dinastía de canción que los pintores también recolectarían en los clubs sociales o las reuniones para discutir su arte u otros las ilustraciones, el elogio de cuyo estuvo llevado a menudo a las persuasiones para negociar y para vender obras de arte preciosas. Sin embargo, había también muchos críticos ásperos de otros arte también, demostrando la diferencia en estilo y el gusto entre diversos pintores. En el ANUNCIO 1088, el Shen Kuo del científico del gran pensador y del estadista escribió una vez de las ilustraciones de un Li Cheng, que él criticó como sigue:

… Entonces había Li Chheng, de debajo quien cuando él representó los pabellones y las casas de campo en medio de las montañas, los edificios storeyed, pagodas y similares, utilizado siempre para pintar los aleros según lo visto. Su idea era de que “una mirara hacia arriba de debajo, apenas como hombre que se colocaba en la tierra llana y el mirar para arriba los aleros de una pagoda puede ver sus vigas y sus vigas voladizos del alero”. Esto es todo incorrecto. En general la manera apropiada de pintar un paisaje es considerar el pequeño del punto de vista del grande (hsiao kuan de i TA), apenas como una mira las montañas artificiales en jardines (como uno camina alrededor). Si uno se aplica (el método de Li) a la pintura de montañas verdaderas, mirando para arriba ellas de debajo, una puede ver solamente un perfil a la vez, y no la abundancia de sus cuestas y perfiles numerosos, para no decir nada de todo el que está entrando encendido en los valles y las gargantas y en los carriles y los patios con sus viviendas y casas. Si nos colocamos a al este de una montaña sus piezas occidentales estarían en el límite vanishing de la distancia remota, y viceversa. ¿Seguramente esto no se podía llamar una pintura acertada? Sr. Li no entendía el principio de “ver el pequeño del punto de vista del grande”. ¿Él era ciertamente maravilloso en la disminución exactamente de alturas y de distancias, pero debe uno dar tal importancia a los ángulos y a las esquinas de edificios?

Aunque sea de alto nivel del stylization, de la súplica mística, y de la elegancia surrealista fuera a menudo el realismo excesivo preferred (por ejemplo en estilo del shui del Shan), comenzando con la dinastía de canción medieval allí fuera muchos pintores chinos entonces y luego quién representó las escenas de la naturaleza que eran vivo verdaderas. Artistas posteriores de la dinastía de Ming tomarían después de este énfasis de la dinastía de canción para el detalle intrincado y del realismo en objetos en naturaleza, especialmente en pinturas de animales (tales como patos, cisnes, gorriones, tigres, etc.) entre los remiendos de flores y de matorrales brillante-coloreados del cepillo y de la madera (un buen ejemplo sería los pájaros del de la pintura de la dinastía de Ming y los flores anónimos del ciruelo, contenidos en la galería más libre del museo de Smithsonian en Washington DC). Había muchos artistas renombrados de la dinastía de Ming; El Qiu Ying es un ejemplo excelente de un pintor supremo de la era de Ming (famoso incluso en su propio día), utilizando en sus escenas domésticas de las ilustraciones, apresurando escenas suntuosas, y escenas de la naturaleza de los valles del río y de las montañas empapadas cubiertos en niebla y nubes que remolinan. Durante la dinastía de Ming había también diferente y que rivalizaba las escuelas del arte asociadas a la pintura, tal como la escuela de Wu y la escuela de Zhe.

La pintura china clásica continuó encendido en la dinastía de Qing moderna temprana, con las pinturas alto realistas del retrato como considerado en la última dinastía de Ming del siglo XVII temprano. Los retratos del emperador de Kangxi, del emperador de Yongzheng, y del emperador de Qianlong son ejemplos excelentes de la pintura china realista del retrato. Durante el período del reinado de Qianlong y el siglo XIX de continuación, los estilos barrocos europeo de la pintura tenían influencia sensible en pinturas chinas del retrato, especialmente con efectos visuales pintados de la iluminación y del shading. Asimismo, las pinturas asiáticas del este y otras obras de arte (tales como porcelana y lacquerware) eran alto estimadas en Europa puesto que inicial entrar en contacto con en el siglo XVI.

El considera también historia del arte chino .

Pintura japonesa

considera también:

japonés de la pintura

La pintura japonesa (絵画) es una del más viejo y refinada lo más alto posible de los artes japoneses, abarcando una gran variedad en el género y estilos. Como con la historia de artes japoneses la pintura japonesa de la historia es generalmente una larga historia de la síntesis y de la competición entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas. Ukiyo-e, " cuadros del world" flotante;, es un género de las impresiones japonesas del woodblock (o de los grabar en madera ) y de las pinturas producidas entre los 17mos y vigésimos siglos, ofreciendo los adornos de paisajes, el teatro y cuartos del placer. Es el género artístico principal de la impresión de Woodblock en Japón . El japonés printmaking especialmente a partir del período de Edo ejerció influencia enorme en la pintura occidental en el Francia durante el siglo XIX.

Pintura occidental

el considera la pintura occidental

del artículo Egipto, Grecia y Roma

El también considera el arte antiguo El Egipto antiguo, una civilización con tradiciones muy fuertes de la arquitectura y la escultura (ambos pintados original en colores brillantes) también tenían muchas pinturas murales en templos y edificios, y las ilustraciones pintadas en la pintura de pared egipcia de los manuscritos del papiro y la pintura decorativa son a menudo gráfico, a veces más simbólico que realistas. La pintura egipcia representa figuras en el esquema en negrilla y la silueta plana, en los cuales la simetría es una característica constante. La pintura egipcia tiene conexión cercana con su lengua escrita - llamado los jeroglíficos egipcios . Los símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de lengua escrita. Los egipcios también pintados en el lino, remanente cuyo sobrevivir hoy. Las pinturas egipcias antiguas sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los egipcios antiguos crearon pinturas para hacer la vida futura del fallecido un lugar agradable. Los temas incluyeron viaje con el afterworld o sus deidades protectoras que introducía el difunto a dioses del mundo terrenal. Algunos ejemplos de tales pinturas son pinturas del Ra de dioses y de las diosas, Horus, Anubis, la tuerca, Osiris e ISIS . Algunas pinturas de la tumba demuestran las actividades en las cuales los difuntos estuvieron implicados cuando eran vivos y deseados para continuar el hacer para la eternidad. En el nuevo reino y más adelante, el libro del muerto fue enterrado con la persona entombed. Era considerado importante para una introducción para la vida futura.

Al norte Egipto era la civilización de Minoan en la isla Crete . Las pinturas de pared encontraron en el palacio Knossos son similares a la de los egipcios pero mucho más libre en estilo., las tribus del norte Grecia Grecia conquistada y el arte griego tomaron una nueva dirección.

El Grecia antigua tenía grandes pintores, grandes escultores (aunque ambos esfuerzos fueron mirados como trabajo manual mero en ese entonces), y grandes arquitectos. El Parthenon es un ejemplo de su arquitectura que ha durado a los días modernos. La escultura de mármol griega se describe a menudo como la forma más alta de arte clásico . La pintura en la cerámica de Grecia antigua y de la cerámica da una ojeada particularmente informativa en la manera que funcionó la sociedad en Grecia antigua. la Negro-figura pintura del florero y la Rojo-figura pintura del florero da muchos ejemplos de la supervivencia de cuáles era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en los paneles de madera que se mencionan en textos son Apelles, Zeuxis y Parrhasius, no obstante ningunos ejemplos del griego clásico artesonan la pintura sobreviven, escrito solamente descripciones por sus contemporáneos o romanos posteriores. Zeuxis vivió en 5-6 A. y reputaba el primer para utilizar el Sfumato . Según el Plinio la anciano, el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaron comer las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la antigüedad para la técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado. El arte romano fue influenciado por Grecia y se puede en parte tomar como descendiente de la pintura del griego clásico. Sin embargo, la pintura romana tiene características únicas importantes. Las pinturas romanas de la única supervivencia son las pinturas de pared, muchas de los chalets en el Campania, en Italia meridional. Tal pintura se puede agrupar en " de 4 cañerías; styles" o los períodos y pueden contener los primeros ejemplos del Trompe-l'œil, de la pseudo-perspectiva, y del paisaje puro. Casi los únicos retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son una gran cantidad de ataúd-retratos de la forma del busto encontrados en el último cementerio de la antigüedad del al-Fayum . Aunque éstos estuvieran ni del mejor período ni del más de alta calidad, son impresionantes en sí mismos, y dan una idea de la calidad que el trabajo antiguo más fino debe haber tenido. Un número muy pequeño de las miniaturas de los últimos libros ilustrados antiguos también sobrevive, y un número algo más grande de copias de ellas a partir del período medieval temprano.

Edades Medias

La subida de cristianismo impartió un diversos alcohol y puntería a los estilos de la pintura. El arte bizantino, una vez que su estilo fue establecido por el siglo VI, el gran énfasis puesto en la retención de la iconografía tradicional y el estilo, y ha cambiado relativamente poco con los mil años del imperio bizantino y las tradiciones de continuación del icono griego y ruso - pintura de Othodox . La pintura bizantina tiene una sensación particularmente hierática y los iconos estaban y todavía se consideran como reflexión del divino. Había también muchas pared-pinturas en el fresco, pero menos de éstos han sobrevivido que los mosaicos bizantinos . En fronteras del arte de general Byzantium en la abstracción, en su llanura y pinturas alto estilizadas de figuras y del paisaje. No obstante hay períodos, especialmente en el arte macedónico supuesto alrededor del siglo X, cuando el arte bizantino llegó a ser más flexible en acercamiento. En la poste-Antigüedad Europa católica el primer estilo artístico distintivo a emerger que la pintura incluida era el arte insular de las islas británicas, donde están miniaturas los únicos ejemplos de la supervivencia (y absolutamente probablemente el único medio en los cuales la pintura fue utilizada) en los manuscritos iluminados tal como el libro de Kells . Éstos son los más famosos por su decoración abstracta, aunque las figuras, y a veces las escenas, también fueron representados, especialmente en el Carolingian de los retratos del evangelista y el arte de Ottonian también sobrevive sobre todo en manuscritos, aunque siga habiendo una cierta pared-pintura, y se documentan más. El arte de este período combina insular y el " barbarian" influencias con una influencia bizantina fuerte y una aspiración para recuperar monumentality clásico y a contrapesar.

Las paredes del Romanesque y las iglesias góticas fueron adornadas con los frescos así como escultura y muchos de los pocos murales restantes tienen gran intensidad, y combinan la energía decorativa del arte insular con un nuevo monumentality en el tratamiento de figuras. Lejos más miniaturas en los manuscritos iluminados sobreviven a partir del período, demostrando las mismas características, que continúan en el período gótico .

La pintura del panel llega a ser más común durante el período del Romanesque, bajo influencia pesada de iconos bizantinos. Hacia el centro del siglo XIII, el arte medieval y la pintura gótica llegaron a ser más realistas, con los principios del interés en la pintura de la perspectiva del volumen y en Italia con el Cimabue y entonces su Giotto de la pupila. De Giotto encendido, el tratamiento de la composición de los mejores pintores también llegó a ser mucho más libre e innovador. Los consideran ser los dos grandes amos medievales de la pintura en cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utilizó un acercamiento más realista y más dramático a su arte. Su pupila, Giotto, llevó estas innovaciones un de alto nivel que alternadamente fijó las fundaciones para la tradición occidental de la pintura. Ambos artistas eran pioneros en el movimiento hacia naturalismo.

Las iglesias fueron construidas con cada vez más las ventanas y el uso del vidrio manchado colorido se convierte en una grapa en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto se encuentra en la catedral del Notre Dame de Paris . Por siglo XIV las sociedades occidentales eran más ricas y cultivado y los pintores los nuevos patrón encontrados en la nobleza e incluso la burguesía . Los manuscritos iluminados adquirieron un nuevo carácter y adelgazan, las mujeres de moda vestidas de la corte fueron demostrados en sus paisajes. Este estilo pronto se sabía como el Tempera internacional del estilo y artesona pinturas e importancia ganada los altarpieces.

Renacimiento y manierismo

El renacimiento es dicho por muchos para ser la época dorada de la pintura. Áspero atravesando el 14to con el mediados de siglo XVII. En Italia los artistas tienen gusto Pablo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, della Francisca, Andrea Mantegna, Felipe Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael, Juan Bellini de Piero, y el Titian llevó la pintura un de alto nivel con el uso de la perspectiva, el estudio de la anatomía humana y la proporción, y con su desarrollo de un refinamiento sin precedente en técnicas del dibujo y de la pintura.

Los pintores flamencos, holandeses y alemanes del renacimiento tales como Juan Holbein el más joven, el Albrecht Dürer, el Lucas Cranach, el Matías Grünewald, el Hieronymous Bosch, y el Pieter Brueghel representan un diverso acercamiento de sus colegas italianos, uno que sea más realista y lo idealizaron menos. La adopción de la pintura al óleo cuya invención estaba tradicionalmente, pero erróneamente, acreditado al enero Van Eyck, (una figura transitoria importante que tiende un puente sobre la pintura en las Edades Medias con la pintura del renacimiento temprano ), hecho posible una nueva verosimilitud en la representación de realidad. Desemejante de los italianos cuyo trabajo extrajo pesadamente del arte de Grecia y de Roma antiguas, los norteños conservaron un residuo estilístico de los manuscritos iluminados de la escultura y de las Edades Medias. Estas tendencias son también consideran en el arte de Tudor Inglaterra, que fue influenciado pesadamente por los refugiados protestantes de los países bajos .

La pintura del renacimiento refleja la revolución de las ideas y de la ciencia (astronomía, geografía ) que ocurren en este período, la reforma, y la invención de la prensa . Dürer, considerado uno del más grande de printmakers, indica que los pintores son los no artesanos meros sino los pensadores también. Con el desarrollo de la pintura de la base en el renacimiento, la pintura ganó independencia de la arquitectura. Los siglos siguientes dominaron por las imágenes religiosas, tema secular vuelto lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyeron las visiones del mundo alrededor de ellos, o los productos de sus propias imaginaciones en sus pinturas. Los que podrían producir el costo podrían convertirse en patrón y retratos de la comisión de sí mismos o de su familia.

En los décimo quintos y décimosextos siglos, las pinturas del panel que se podrían colgar en las paredes y mover alrededor en la voluntad, llegaron a ser cada vez más populares para las iglesias y las casas privadas, algo que pared-pinturas o pinturas del fresco incorporaron en en las estructuras permanentes, tales como Altarpieces el que el alto renacimiento dio lugar a un arte estilizado conocido como manierismo . En lugar de las composiciones equilibradas y del acercamiento racional a la perspectiva que caracterizó arte en el amanecer del siglo XVI, de la inestabilidad buscada los manieristas, de la estratagema, y de la duda. Las caras y los gestos imperturbados del della Francisca de Piero y de las vírgenes tranquilas de Raphael son substituidos por las expresiones preocupadas Pontormo y la intensidad emocional del EL Greco .

Barroco y Rococo

Durante el principio alrededor 1600 y la continuación del período a través del siglo XVII, pintando se caracteriza como barroco. Entre los pintores más grandes barrocos son Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin, y Vermeer . Caravaggio es un heredero de la pintura del humanista del alto renacimiento . Su acercamiento realista a la figura humana, pintado directo de vida y dramáticamente de spotlit contra un fondo oscuro, dado una sacudida eléctrica sus contemporáneos y abierto un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca dramatiza a menudo escenas usar efectos luminosos; esto se puede ver en trabajos por Rembrandt, Vermeer, el Le Nain y el viaje del La.

Durante el siglo XVIII, Rococo seguido como secundario-género decadente de barroco, de más ligero, a menudo frívolo y erótico. El francés domina el Watteau, Boucher y el Fragonard representa el estilo, al igual que Juan Battista Tiepolo y el Thomas Gainsborough . El Jean-Baptiste-Siméon Chardin era considerado por alguno como el mejor pintor francés del siglo XVIII - el Anti-Rococo.

siglo XIX: Neo-classicism, romanticismo, impresionismo

el también considera el Neoclassicism principal, romanticismo, impresionismo, impresionismo, escuela de los artículos del poste del río de Hudson

Después de que la decadencia del Rococo allí se presentara en el último siglo XVIII un Neo-classicism ascético, el mejor representó por los artistas tales como el Jacques Louis David y su Jean Auguste Dominique Ingres del heredero. El trabajo de Ingres no contiene ya mucha de la sensualidad, pero ninguna de la espontaneidad, que era caracterizar el romanticismo . Este movimiento dio vuelta a su atención hacia paisaje y la naturaleza así como la figura humana y a la supremacía de la orden natural sobre la voluntad de la humanidad. Hay una filosofía del Pantheist (véase el Spinoza y el Hegel ) dentro de este concepto que se oponga a ideales de la aclaración considerando el destino de la humanidad en una luz más trágica o más pesimista. La idea que los seres humanos no estén sobre las fuerzas de la naturaleza está en la contradicción al griego clásico y a los ideales del renacimiento donde estaba sobretodo cosas y poseyó la humanidad su sino. Esto artistas románticos llevados de pensamiento para representar el sublime, iglesias arruinadas, naufragios, masacres y locura.

Los pintores románticos dieron vuelta a la pintura de paisaje en un género importante, considerado hasta entonces como género de menor importancia o como fondo decorativo para la figura composiciones. Algunos de los pintores principales de este período son Eugene Delacroix, Théodore Géricault, el J. Turner, Caspar David Friedrich y el guardia de Juan. trabajo de s de Francisco de Goya el 'último demuestra el interés romántico en el irracional, mientras que el trabajo Arnold Böcklin evoca misterio. En el Estados Unidos la tradición romántica de la pintura de paisaje era conocida como la escuela del río de Hudson. Los pintores importantes de esa escuela incluyen el col de Thomas, la iglesia de Frederick, el Albert Bierstadt, el Thomas Moran, y el Juan Frederick Kensett entre otros. El Luminism era otro movimiento importante en la pintura de paisaje americana relacionada con la escuela del río de Hudson.

El principal Camilo Corot del pintor de la escuela de Barbizon pintó a veces como romántico, a veces como realista que anticipa al impresionismo . Una fuerza importante en la vuelta hacia el realismo en los mediados de siglo era Gustave Courbet . En el 3ultimo tercero del siglo los impresionistas tienen gusto Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camilo Pissarro, Alfred Sisley, y el Edgardo desgasifica a y a post-Impressionists levemente más jovenes como el Vincent van Gogh, el Paul Gauguin, y el Jorte Seurat, junto con arte del plomo de Paul Cezanne hasta el borde del modernismo .

vigésimo siglo moderno y contemporáneo

El también considera: Arte moderno, modernismo, arte contemporáneo, . ¡ La herencia de pintores tiene gusto Van Gogh, Cézanne, Gauguin, y el Seurat era esencial para el desarrollo del arte moderno. Al principio Enrique Matisse y varios otros artistas jovenes del vigésimo siglo revolucionó el mundo del arte de París con el " wild", multicolor, expresivo, paisajes y figura pinturas que los críticos llamaron el Fauvism . El Pablo Picasso hizo su primer las pinturas cubistas de basadas en la idea de Cézanne que toda la pintura de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: Cubo, esfera y cono .

Pioneros

La herencia de pintores tiene gusto Van Gogh, Cézanne, Gauguin, y el Seurat era esencial para el desarrollo del arte moderno. Al principio Enrique Matisse y varios otros artistas jovenes del vigésimo siglo incluyendo el pre-cubista Jorte Braque, el André Derain, el Raúl Dufy y el Mauricio de Vlaminck revolucionó el mundo del arte de París con el " wild", multicolor, expresivo, paisajes y figura pinturas que los críticos llamaron el Fauvism - (según lo visto en la galería arriba). El Pablo Picasso hizo su primer las pinturas cubistas de basadas en la idea de Cézanne que toda la pintura de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: Cubo, esfera y cono . Con el d'Avignon 1907 de los Demoiselles de Les de la pintura, (véase la galería) Picasso creó dramáticamente un nuevo y radical cuadro que representaba una escena cruda y primitiva del burdel con cinco prostitutes, las mujeres, evocadoras violentamente pintada de las máscaras tribales africanas y de sus propias invenciones cubistas del nuevo . El cubismo analítico (véase la galería) fue desarrollado en común por Pablo Picasso y el Jorte Braque a partir de cerca de 1908 a 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernando Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcelo Duchamp e incontable otros artistas en los años 20. El cubismo sintético es caracterizado por la introducción de diversas texturas, de superficies, de elementos del collage, del collé de Papier y de una variedad grande de tema combinado.

Durante los años entre 1910 y el extremo de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo, varios movimientos emergieron en el París . El Jorge De Chirico se movió a París en julio de 1911, donde él ensambló a su hermano Andrea (el poeta y el pintor conocidos como Alberto Savinio ). A través de su hermano él encontró a Pedro Laprade un miembro del jurado en el salón d' Automne, donde él exhibió tres de sus trabajos dreamlike: Enigma del de Oracle, enigma del de una tarde y autorretrato del . Durante 1913 él exhibió su trabajo en el DES Indépendants del salón y el salón d' Automne, su trabajo fue notado por el Pablo Picasso y el Guillermo Apollinaire y varios otros. Sus pinturas compelling y misteriosas se consideran instrumentales a los principios tempranos del surrealismo . (véase la galería)

En las primeras dos décadas del vigésimo siglo y después del cubismo, varios otros movimientos importantes emergieron; Futurismo ( Balla ), arte abstracto ( Kandinsky ), Der Blaue Reiter ), Bauhaus, ( Kandinsky ) y ( Klee ), Orphism, ( Roberto Delaunay y František Kupka ), Synchromism ( Morgan Russell ), De Stijl ( Mondrian ), Suprematism ( Malevich ), constructivismo ( Tatlin ), Dadaism ( Duchamp, Picabia, Arp ) y surrealismo ( De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst ). La pintura moderna influenció todos los artes visuales, de la arquitectura modernista y del diseño, a la película vanguardista, el teatro y la danza moderna y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, de la fotografía y de la poesía concreta al arte de publicidad y a la manera . Influencia ejercida pintura de Van Gogh la gran sobre el expresionismo del vigésimo siglo, como puede ser visto en el trabajo Fauves, muere Brücke (un grupo llevado por el alemán Ernst Kirchner del pintor), y el expresionismo Edvard masca, el Egon Schiele, el orujo Chagall, el Amedeo Modigliani, el Chaim Soutine y otros.

El Wassily Kandinsky un pintor ruso, el Printmaker y el teórico, uno del arte de los artistas más famosos del vigésimo siglo generalmente se considera el primer pintor importante del arte abstracto moderno. Como un temprano modernista, en busca de nuevos modos de expresión visual, y expresión espiritual, él teorizó al igual que los Occultists contemporáneos y los teósofos, que la abstracción visual pura tenía vibraciones el corolario con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar espiritualidad pura. Sus abstracciones más tempranas fueron tituladas generalmente como el ejemplo en (sobre galería) la composición VII del, haciendo la conexión al trabajo de los compositores de la música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre arte abstracto en su del libro referente al espiritual en arte. el Roberto Delaunay de era un artista francés que se asocia al Orphism, (evocador de un acoplamiento entre la abstracción y el cubismo puros). El suyo trabaja más adelante era más abstracto, evocador Paul Klee . Sus contribuciones dominantes para abstraer la pintura refieren a su uso en negrilla del color, y a un amor claro de la experimentación de la profundidad y del tono. En la invitación Wassily Kandinsky, Delaunay y su esposa el Sonia Delaunay del artista, ensambló a jinete azul ( Der Blaue Reiter ), un Munich - el grupo basado de los artistas abstractos, en 1911, y su arte llevaron una vuelta el extracto. Todavía otros pioneros importantes de la pintura abstracta incluyen el pintor checo, el František Kupka y el Synchromism, un movimiento de arte fundado en 1912 por el americano Stanton MacDonald-Wright de los artistas y el Morgan Russell que se asemeja de cerca al Orphism .

Entre las guerras

arte de s de Mondrian Piet el 'fue relacionado íntimo con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 él hizo interesado en el movimiento teosófico puesto en marcha por el Helena Petrovna Blavatsky en el siglo de fines del siglo diecinueve. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que lo proporcionada por medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian para los restos de la vida fue inspirado por su búsqueda para ese conocimiento espiritual. Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen el ruso Kasimir Malevich del pintor, que después de la revolución rusa en 1919, y después de la presión del régimen estalinista en 1924 vueltos a las imágenes de la pintura y los campesinos y los trabajadores del en el campo, y el suizo Paul Klee del pintor cuyo experimenta color dominante hicieron le un pionero importante de la pintura del extracto en el Bauhaus . durante el período entre la Primera Guerra Mundial y los pintores de la Segunda Guerra Mundial tendieron a entrar a Europa para el reconocimiento. Los artistas tienen gusto Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y Estuardo Davis, reputaciones creadas al exterior. En el New York City, el Albert Pinkham Ryder y el Rafael Blakelock estaban las figuras influyentes e importantes en la pintura americana avanzada entre 1900 y 1920. Durante el Alfred Stieglitz del fotógrafo de los años 20 exhibió al Georgia O'Keefe, a la paloma de Arturo, al Alfred Henry Maurer, al Charles Demuth, al Juan Marín y a otros artistas incluyendo el Enrique Matisse de los amos del europeo, el Auguste Rodin, el Enrique Rousseau, el Paul Cezanne, y el Pablo Picasso, en su de la galería los 291 .

el expresionismo y el simbolismo son rúbricas amplias que describe varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del vigésimo siglo que dominó mucho del arte vanguardista que era hecho en occidental, del este y Northern Europe. El expresionismo fue pintado en gran parte entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, sobre todo en el Francia, el Alemania, el Noruega, el Rusia, el Bélgica, y el Austria . Los artistas del expresionista se relacionan con el surrealismo y el simbolismo y son cada uno únicamente y algo excéntrico personal. El Fauvism, muere Brücke, y el Der Blaue Reiter es tres de los grupos más conocidos del expresionista y de pintores del Symbolist . Los artistas tan interesantes y diversos como el orujo Chagall, Gustavo Klimt, Egon Schiele, Edvard mascan a, al Emilio Nolde, al Chaim Soutine, al James Ensor, al Oskar Kokoschka, al Ernst Luis Kirchner, al Beckmann máximo, al orujo de Francisco, a DIX de Otto, al Käthe Schmidt Kollwitz, al Jorte Rouault, al Amedeo Modigliani y a algo de los americanos al exterior como el Marsden Hartley, y el Estuardo Davis, era considerado los pintores influyentes del expresionista. Aunque el Alberto Giacometti se piense sobre todo en como escultor surrealista intenso, él hizo pinturas intensas del expresionista de figuras también.

Durante los años 30 y la Gran Depresión, el surrealismo, el último cubismo, el Bauhaus, el De Stijl, el Dada, y los pintores del colorist como el Enrique Matisse y el Pedro Bonnard caracterizaron la escena europea del arte. Mientras que en América el movimiento social del realismo que contuvo comentario político y social dominó el mundo del arte. Los artistas tienen gusto Ben Shahn, Thomas Hart Benton, madera, George Tooker, curry, pantano de Grant de Juan Steuart de Reginald, y otros hicieron prominentes. En el América latina además uruguayo Joaquín Torres García del pintor y Rufino Tamayo México, el movimiento del muralist con el Diego Rivera, el David Siqueiros, el José Orozco, el Pedro Nel Gómez y el Santiago Martínez Delgado y las pinturas del Symbolist por el Frida Kahlo comenzó un renacimiento de los artes para la región, con un uso del color e histórico, y mensajes políticos. Symbolist de s de Kahlo Frida el 'trabaja también se relaciona fuerte con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en literatura. El drama psicologico en muchos de los retratos de uno mismo de Kahlo subraya la vitalidad y la importancia de sus pinturas a los artistas en el siglo XXI.

Durante los años 30 la política izquierdista radical caracterizó a muchos de los artistas conectados con el surrealismo, incluyendo el Pablo Picasso . El el el 26 de abril, el 1937, durante la guerra civil española, la ciudad vasca Gernika era la escena del " Bombardeo del " de Gernika ; por la legión del cóndor de Luftwaffe de Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco para derrocar al gobierno vasco y a gobierno republicano español. La ciudad era devastated, aunque el montaje vizcaíno y el roble de Gernika sobrevividos. Pablo Picasso pintó su clasificado mural Guernica del para conmemorar los horrores del bombardeo.

En su forma final, el Guernica es un blanco y negro inmenso, un mural ancho metros de 3.5 metros (11 pies) de alto y de los 7.8 (23 pies) pintado en aceite. El mural presenta una escena de la muerte, de la violencia, de la brutalidad, del sufrimiento, y del desamparo sin retratar sus causas inmediatas. La opción a la pintura en contrastes blancos y negros con la intensidad de la escena representó e invoca la urgencia de una fotografía del periódico. Picasso pintó la pintura clasificada mural llamada Guernica del en la protesta del bombardeo. La pintura primero fue exhibida en el París en 1937, después Escandinavia, después el Londres en 1938 y finalmente en 1939 en la petición de Picasso la pintura fue enviado al Estados Unidos en un préstamo extendido (para el depósito) en el MoMA . La pintura fue en un viaje de museos en los E. hasta su vuelta final al museo del arte moderno en el New York City en donde fue exhibida por casi treinta años. Finalmente de acuerdo con deseo de s de Pablo Picasso 'para dar la pintura a la población de España como regalo, fue enviada a España en 1981.

Hacia mediados de siglo

Los años 40 en el New York City anunciaron el triunfo del expresionismo abstracto, un movimiento modernista americano que combinó las lecciones doctas Enrique Matisse, Pablo Picasso, del surrealismo, Juan Miró, del cubismo, Fauvism, y del modernismo temprano vía grandes profesores en América como el Juan Hofmann y el Juan D. Los artistas americanos se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, de Fernando Leger, de Ernst máximo y del grupo de Andre, de la galería de Pedro Matisse, y bretones de la galería de s de Guggenheim Peggy 'el arte de este siglo, así como otros factores.

La pintura americana Post- de la Guerra Mundial Segundo llamada el expresionismo abstracto todavía incluyó a artistas como el Jackson Pollock, el Willem de Kooning, el Arshile Gorki, el Mark Rothko, el Juan Hofmann, el Clyfford, el Adolph Gottlieb, el Barnett Newman, el Philip Guston, el Roberto Motherwell, y el Francisco Kline, entre otros. El expresionismo abstracto americano consiguió su nombre en 1946 Roberto Coates del crítico del arte. Se ve como combinar la intensidad y el autoengaño emocionales de los expresionistas alemanes con el estético anti-figurado de las escuelas abstractas europeas tales como futurismo, el Bauhaus y cubismo sintético .

El surrealismo era técnico un precursor importante para el expresionismo abstracto con su énfasis en espontáneo, el automático o la creación subconsciente. El Jackson Pollock que pintura del goteo de s de 'sobre una lona puso en el piso es una técnica que tiene sus raíces en el trabajo André Masson . Otro early manifestation importante de qué vino ser expresionismo abstracto es el trabajo de la marca del noroeste americana Tobey, especialmente su " del artista; writing" blanco; lonas, que, aunque generalmente no grandes en escala, anticipan el " all over " mirar de las pinturas del goteo de Pollock.

Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de ser rebelde, anárquica, alto idiosincrásico y, algo siente, algo nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (sobre todo) en Nueva York que tenía estilos absolutamente diversos, e incluso se aplica al trabajo que no es especialmente abstracto ni expresionista. " enérgio de Pollock; Quot de las pinturas de la acción;, con su " busy" la sensación, es diferente técnico y estético, al violento y las series grotescas de las mujeres del de Willem de Kooning (que son las pinturas figuradas ) y a los bloques sereno que rielan de color en trabajo de s de Mark Rothko '(que no es qué generalmente serían llamados expresionista y qué Rothko negado era abstracto), con todo a los tres se clasifican como expresionistas abstractos.

El expresionismo abstracto tiene muchas semejanzas estilísticas a los artistas rusos del siglo a principios de siglo 20 tales como Wassily Kandinsky . Aunque sea verdad que la espontaneidad o de la impresión de espontaneidad caracterizó muchos de los trabajos abstractos de los expresionistas, la mayor parte de estas pinturas implicaron el planeamiento cuidadoso, especialmente puesto que su de gran tamaño exigida le. Una excepción pudo ser las pinturas del goteo de Pollock.

Porqué esta aceptación de corriente ganada estilo en los años 50 es una cuestión de discusión. El realismo social americano había sido la corriente principal en los años 30. Había sido influenciado no sólo por la Gran Depresión pero también por los realistas sociales México tal como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El clima político después de que la Segunda Guerra Mundial no tolerara de largo las protestas sociales de esos pintores. El expresionismo abstracto se presentó durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a ser mostrado durante los años 40 tempranos en las galerías en Nueva York como el arte de esta galería del siglo. El finales de los 40 con los mediados de los años cincuenta anunciados en la era de McCarthy. Era después de la Segunda Guerra Mundial y de una época del conservadurismo político y de la censura artística extrema en los Estados Unidos. Alguna gente ha conjeturado que puesto que el tema era a menudo total abstracto, el expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para que los artistas persigan este estilo. El arte abstracto se podía considerar como apolítico. O si el arte era político, el mensaje estaba en gran parte para los iniciados. Sin embargo esos teóricos están en la minoría. Como la primera escuela verdadero original de la pintura en América, el expresionismo abstracto demostró la vitalidad y la creatividad del país en los años de la posguerra, tan bien como su capacidad (o necesidad) de desarrollar un sentido estético que no fue obligado por los estándares europeos de la belleza.

Aunque el expresionismo abstracto se separara rápidamente en los Estados Unidos, los centros principales de este estilo eran New York City y California, especialmente en la escuela de Nueva York, y el área de San Francisco Bay. Las pinturas abstractas del expresionista comparten ciertas características, incluyendo el uso de lonas grandes, un " todo-over" acercarse, en que la lona entera se trata con importancia igual (en comparación con estar de centro de más interés que los bordes. La lona como la arena del se convirtió en un credo de la pintura de la acción, mientras que la integridad del del plano de cuadro se convirtió en un credo de los pintores del campo de color .

En Europa había la continuación del surrealismo, del cubismo, Dada y de los trabajos Matisse . También en Europa, el Tachisme (el equivalente europeo al expresionismo abstracto) tomó el asimiento de la más nueva generación. La sarga Poliakoff, el Nicolás de Staël, el Jorte Mateo, el Silva de Vieira DA, el Jean Dubuffet, el Yves Klein y el Pierre Soulages entre otros se consideran las figuras importantes en la pintura europea de la posguerra.

La pintura abstracta en América se desarrolló eventual en los movimientos tales como Neo-Dada, pintura del campo de color, abstracción painterly del poste, arte de Op., pintura del Duro-borde, arte mínimo, pintura formada de la lona, abstracción lírica, Neo-expressionism y la continuación del expresionismo abstracto . Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción las imágenes emergieron a través de los varios nuevos movimientos, notablemente arte pop .

Arte pop, Dada neo y realismo

¡ El arte pop en América fue inspirado en gran parte inicialmente por los trabajos Jasper Johns, de los ríos de Larry, y Roberto Rauschenberg . Aunque las pinturas Gerald Murphy, Estuardo Davis y Charles Demuth durante los años 20 y los años 30 fijaran la tabla para el arte pop en el América . En el New York City durante el Roberto Rauschenberg de los mediados de los años cincuenta y el Jasper Johns creó las obras de arte que parecían al principio ser continuaciones de la pintura del expresionista del extracto. Realmente sus trabajos y el trabajo de los ríos de Larry, eran salidas radicales del expresionismo abstracto especialmente en el uso de las imágenes banales y literales y de la inclusión y el combinar de materiales mundanos en su trabajo. Las innovaciones del uso específico de Johns de varios imágenes y objetos tienen gusto de las sillas, de los números, de las blancos, de las latas de cerveza y de la bandera americana ; Las pinturas de los ríos de los temas extraídos de cultura popular tal como George Washington que cruza el Delaware, y sus inclusiones de imágenes de los anuncios tienen gusto del camello de los cigarrillos del camello, y las construcciones asombrosamente de Rauschenberg usar inclusiones de los objetos y de los cuadros tomados de cultura popular, de almacenes de hardware, de junkyards, de las calles de la ciudad, y del Taxidermy dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte americano . Eventual por 1963 el movimiento vino ser conocido por todo el mundo como arte pop .

El Hacer estallar-Arte es ejemplificado por los artistas: El Andrés Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim cena, el Tom Wesselmann y el Roy Lichtenstein entre otros. El arte pop combina la cultura popular y total con bella arte, mientras que inyecta humor, ironía, y las imágenes y contenido reconocibles en la mezcla. En octubre de 1962 la galería de Sidney Janis montó el los nuevos realistas la primera exposición del grupo del arte pop del comandante en una galería de arte de la parte alta en New York City. El Sidney Janis montó la exposición en un 57.o escaparate de la calle cerca de su galería en la calle de 15 E. La demostración enviada las ondas de choque a través Nueva York enseña y reverberada por todo el mundo. Anterior en la caída de 1962 una nueva pintura históricamente importante y innovador del del campo común se opone la exposición de del arte pop, curated por el Gualterio Hopps en el museo de arte de Pasadena enviado las ondas expansivas a través de los Estados Unidos occidentales.

Anterior en el Inglaterra en 1958 el " del término; Estallido Art" fue utilizado por el Lorenzo Alloway para describir las pinturas que celebraron el consumerismo de la era de la Segunda Guerra Mundial del poste. Este movimiento rechazó expresionismo abstracto y su foco en el interior hermeneutic y psicologico, a favor del arte que representó, y celebró a menudo la cría, la publicidad, y la iconografía materiales del consumidor de la edad de la producción en masa. Las primeras obras David Hockney y los trabajos Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi eran consideradas los ejemplos seminales en el movimiento.

Mientras que en la escena céntrica en los artistas de las galerías de la calle del East Village 10mo de s de New York City 'formulaban una versión americana del arte pop . El Claes Oldenburg tenía su escaparate, y la galería verde en la calle 57.o comenzó a demostrar el Tom Wesselmann y el James Rosenquist . El posterior Leo Castelli exhibió a otros artistas americanos incluyendo el bulto de las carreras de Andrés Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de Benday los puntos, una técnica usada en la reproducción comercial. Hay una conexión entre los trabajos radicales de Duchamp, y Man Ray, el Dadaists rebelde - con un sentido del humor; y los artistas de estallido tienen gusto Alex Katz, Claes Oldenburg, Andrés Warhol, Roy Lichtenstein y de los otros.

Mientras que a través del vigésimo siglo muchos pintores continuaron practicando paisaje y la pintura figurada con los temas contemporáneos y técnica sólida, como el Milton Avery, el Juan D. Graham, el portero de Fairfield, el Edward Hopper, el Balthus, el Francis Bacon, el Nicolás de Staël, el Andrew Wyeth, el Lucian Freud, el Frank Auerbach, el Philip Pearlstein, el parque de David, el Nathan Oliveira, el David Hockney, el Chuck Close, el Susan Rothenberg, el Eric Fischl, el Vija Celmins y el Richard Diebenkorn .

Nueva abstracción a partir de los años 50 con los años 80

¡ La pintura del campo de color apuntó en la dirección claramente de una nueva dirección en la pintura americana, lejos del expresionismo abstracto . La pintura del campo de color se relaciona con la abstracción Poste-painterly, el Suprematism, el expresionismo abstracto, la pintura del Duro-borde y la abstracción lírica .

La pintura del campo de color intentó librar arte de retórico superflous. Los artistas todavía tienen gusto Clyfford, Mark Rothko, Juan Hofmann, Morris Louis, Julio Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, y de otros las referencias grandemente reducidas de uso frecuente a la naturaleza, y pintaron con un uso alto articulado y psicologico del color. En general estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. Las referencias cotizadas ciertos artistas al arte último o actual, pero en la pintura general del campo de color presentan la abstracción como fin en sí. En la prosecución de esta dirección del arte moderno, los artistas quisieron presentar cada pintura como una unificada, imagen cohesiva, monolítica.

El Frank Stella, el Kenneth Noland, el Ellsworth Kelly, el Barnett Newman, el Ronald Davis, Neil Williams, la remolacha forrajera de Roberto, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros, y el amor del Al son ejemplos de los artistas asociados al uso de la lona formada durante el principio del período en el principios de los 60. Muchos minimalists geométricos de los artistas abstractos, y pintores del Duro-borde elegidos para utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura algo que aceptando el formato rectangular. De hecho, el uso de la lona formada se asocia sobre todo a las pinturas de los años 60 y de los años 70 que son fresco el abstracto, formalista, geométrico, objetivo, racionalista, limpio-alineadas, impetuoso afilado, o al Minimalist en carácter. La galería de Andre Emmerich, la galería de Leo Castelli, la galería de Richard Feigen, y la galería del lugar del parque eran escaparates importantes para la pintura del campo de color, la pintura formada y la abstracción lírica de la lona en el New York City durante los años 60. Hay una conexión con la abstracción Poste-painterly, que reaccionó contra misticismo, hiperactivo-subjetividad, y énfasis de los expresionismos abstractos en la fabricación del acto de la pintura sí mismo dramáticamente visible - así como la aceptación solemne del rectángulo plano como requisito previo casi ritual para la pintura seria. Durante el arte mínimo de la pintura y del campo de color de los años 60 a menudo fueron asociados de cerca a uno a. En actualidad por las comienzos de los años 70 ambos movimientos llegaron a ser decididamente diversos.

Otro movimiento relacionado de la abstracción lírica del finales de los sesenta es un término que fue acuñado original por Larry Aldrich (el fundador del museo de arte contemporáneo, Ridgefield Connecticut de Aldrich) en 1969 para describir qué Aldrich dijo que él vio en los estudios de muchos artistas en aquel momento. Es también el nombre de una exposición que originó en el museo de Aldrich y viajado al museo de Whitney del arte americano y a otros museos en los Estados Unidos entre 1969 y 1971.

La abstracción lírica junto con el movimiento y el Postminimalism de Fluxus (un término primero acuñó por Roberto Pincus-Witten en las páginas Artforum en 1969) intentó ampliar los límites de la pintura y del Minimalism abstractos centrándose en proceso, los nuevos materiales y las nuevas maneras de expresión. El Postminimalism que incorpora a menudo los materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalación, repetición serial, y a menudo con referencias al Dada y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas Eva Hesse . La abstracción lírica, el arte conceptual, Postminimalism, arte de tierra, vídeo, arte, arte del funcionamiento de la instalación, junto con la continuación Fluxus, del expresionismo abstracto, de la pintura del campo de color, de la pintura del Duro-borde, del arte mínimo, del arte de Op., del arte pop, Photorealism y realismo del nuevo ampliaron los límites del arte contemporáneo en los mediados de los años sesenta con los años 70. La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta despreocupada que emergió en los mediados de los años sesenta en que los pintores abstractos volvieron a las varias formas de painterly, de ilustrado, al expresionismo con un foco del predominio en proceso, a la gestalt y a las estrategias compositivas repetidores en general.

Semejanzas líricas de las partes de la abstracción con la pintura del campo de color y abstracción lírica del expresionismo abstracto según lo ejemplificado por el 1968 de la pintura de Ronnie Landfield para Guillermo Blake, (arriba) especialmente en el uso despreocupado de la pintura - textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura cepillada, salpicada, manchada, squeegeed, vertida, y salpicada se asemejan superficial a los efectos vistos en el expresionismo abstracto y la pintura del campo de color . Sin embargo los estilos son marcado diferentes. La determinación de él aparte de el expresionismo abstracto y la pintura de la acción de los años 40 y de los años 50 es el acercamiento a la composición y al drama. Según lo visto en la pintura de la acción hay un énfasis en pinceladas, alto drama compositivo, tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica hay un sentido de la aleatoriedad compositiva, all over la composición, drama compositivo oscuro y relaxed y un énfasis en proceso, la repetición, y por todas partes una sensibilidad.,

Durante los artistas de los años 60 y de los años 70 tan de gran alcance e influyentes como el Roberto Motherwell, el Adolph Gottlieb, el Phillip Guston, el Lee Krasner, el CY Twombly, el Roberto Rauschenberg, el Jasper Johns, el Richard Diebenkorn, el José Albers, el Elmer Bischoff, el Inés Martin, el Al sostenido, el Sam Francisco, el Ellsworth Kelly, el Morris Louis, el Helen Frankenthaler, el gene Davis, el Frank Stella, el Kenneth Noland, el Juan Mitchell, el Friedel Dzubas, y artistas más jovenes tienen gusto El Brice Marden, la remolacha forrajera de Roberto, el Sam Gilliam, el Sean Scully, la palmadita Steir, el Elizabeth Murray, el Larry Poons, el Gualterio Darby Bannard, el Larry Zox, el Ronnie Landfield, el Ronald Davis, el Dan Christensen, Juan Snyder, el Ross Bleckner, el rand del archie, el Susan Crile, y las docenas de otras produjeron pinturas vitales e influyentes.

Durante los años 60 y los años 70, había una reacción contra la pintura abstracta. Algunos críticos vieron el trabajo de artistas como el anuncio Reinhardt, y declararon la “muerte de la pintura”. Los artistas comenzaron a practicar nuevas maneras de hacer arte. Los nuevos movimientos ganaron la prominencia algunos cuyo ser: Postminimalism, arte de tierra, arte video, arte de la instalación, povera de Arte, arte del funcionamiento, arte de cuerpo, Fluxus, arte del correo, el Situationists y arte conceptual entre otros.

Expresionismo neo

¡ En el final de los 70 y el principios de los 80, había también una vuelta a la pintura que ocurrió casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña. Estos movimientos fueron llamados Transavantguardia, Neue Wilde, figuración Libre, el Neo-expressionism y la escuela de Londres respectivamente. Éstos pintura fueron caracterizados por formatos grandes, la marca expresiva libre que hacía, la figuración, el mito y la imaginación. Todo el trabajo en este género vino ser etiquetado el Neo-expressionism . La reacción crítica fue dividida. Algunos críticos la miraron según lo conducido por motivaciones del beneficio por las galerías comerciales grandes. Este tipo de arte continúa en renombre en el siglo XXI, incluso después el desplome del arte de el final de los '80.

El Neo-expressionism era un estilo de la pintura moderna que emergió en el final de los 70 y dominó el mercado del arte hasta los a mediados de los años ochenta. Se convirtió en Europa como reacción contra el arte minimalistic conceptual y de los años 70. los Neo-expresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, tales como el cuerpo humano (aunque a veces virtualmente de una manera abstracta ), de una manera áspera y violentamente emocional usar colores vivos y armonías banales del color.

Todavía la pintura celebra una posición respetada en el arte contemporáneo . El arte es un campo abierto dividido no más por el objetivo contra dicotomía inobjetiva. Los artistas pueden alcanzar éxito crítico si sus imágenes son representativas o abstractas. Qué tiene la moneda es contenido, explorando los límites del medio, y una denegación para recapitular los trabajos del pasado como objetivo final.

Pintura contemporánea en el siglo XXI

¡ Al principio del arte contemporáneo contemporáneo de la pintura y del siglo XXI en general continúa en varios modos contigious, caracterizados por las ideas del pluralismo, del globalismo y de la descentralización internacional . Los artistas China, y otras partes de Asia, así como Europa y el Américas han producido nuevas e interesantes pinturas. El " " de la crisis ; en la pintura y las críticas actuales del arte y actuales del arte es causado hoy por el pluralismo . No hay consenso en cuanto a un estilo representativo de la edad. Hay un que va cualquier cosa la actitud de que prevalece; un " todo on" que va;, y por lo tanto " nada on" que va; síndrome; a excepción de un atasco estético, sin la dirección firme y clara, de cada carril en la autopista artística llenó a la capacidad. Las obras de arte por lo tanto magníficas e importantes continúan siendo hechas no obstante en una gran variedad de estilos.

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Pintura islámica

La pintura de seres humanos, de animales o de cualquier otro tema figurado se prohíbe dentro de Islam para prevenir a creyentes de la idolatría tan allí no es ninguna tradición religioso motivada de la pintura (o escultura) dentro de la cultura musulmán. La actividad ilustrada fue reducida al Arabesque, principalmente abstracto, con la configuración geométrica o floral y planta-como patrones. Conectado fuerte con la arquitectura y la caligrafía, puede ser visto extensamente según lo utilizado para la pintura de los azulejos en las mezquitas o en iluminaciones alrededor del texto del Koran santo y de otros libros. De hecho el arte abstracto no es una invención del arte moderno sino que está presente en el preclásico, el bárbaro y las culturas no occidentales muchos siglos antes de él y es esencialmente un arte aplicado decorativo o . Escher del ilustrador fue influenciado por este geométrico y el patrón basó arte. El arte Nouveau ( Aubrey Beardsley y el Antonio Gaudi del arquitecto) reintrodujo patrones florales abstractos en arte occidental.

Observar que a pesar de el tabú de la visualización figurada, algunos países musulmanes cultivaron una tradición rica en la pintura, aunque no por derecho propio, sino como un compañero a la palabra escrita. El arte iraní o persa, conocido extensamente como miniatura persa, concentra en la ilustración de trabajos épicos o románticos de la literatura. Los ilustradores persas evitaron deliberadamente el uso del shading y de la perspectiva, aunque familiar con él en su historia pre-islámica, para seguir la regla de no crear ninguna ilusión realista del mundo real. Su puntería no era representar el mundo como es, pero crear imágenes de un mundo ideal de la belleza intemporal y de la orden perfecta.

En los actuales días, pintando por los estudiantes de arte o los artistas profesionales en árabe y los países musulmanes del no-árabe seguir las mismas tendencias del arte occidental de la cultura.

El considera también el arte islámico . El considera también la miniatura persa . El considera también el Arabesque .

Irán

El gris oriental de la albahaca del historiador cree el " Irán ha ofrecido un arte particularmente único al mundo que es excelente en su kind".

Las cuevas en la provincia de Lorestan de Irán exhiben imágenes pintadas de animales y de escenas de la caza. Algunos tales como ésos en la provincia y Sialk de Fars son por lo menos 5.

La pintura en Irán se piensa para haber alcanzado un clímax durante la era de Tamerlane en que los amos excepcionales tales como Kamaleddin Behzad dieron a luz a un nuevo estilo de la pintura.

Las pinturas del período de Qajar, son una combinación de influencias europeas y escuelas miniatura de Safavid de la pintura tales como ésos introducidos por Reza Abbasi. Amos tales como Kamal-ol-molk, más lejos empujado adelante la influencia europea en Irán. Era durante la era de Qajar en que " Painting" del café; emergido. Los temas de este estilo eran a menudo religiosos en la naturaleza que representaba escenas de las epopeyas chiítas y similares.

Australia

El también considera el arte aborigen, arte de Australia

África

considera también:

africano del arte La cultura y las tribus tradicionales africanas no parecen tener gran interés en representaciones de dos dimensiones a favor de la escultura y de la relevación . Sin embargo, la pintura decorativa en cultura africana es a menudo abstracta y geométrica. Otra manifestación ilustrada es la pintura del cuerpo, y presente de la pintura de la cara por ejemplo en el Maasai y la cultura de Kĩkũyũ en sus rituales de la ceremonia. La pintura de cuevas ceremonial en ciertas aldeas se puede encontrar para ser todavía funcionando. Observar que el Pablo Picasso y a otros artistas modernos influenciaron la escultura africana y las máscaras en sus estilos variados. Los artistas africanos contemporáneos siguen los movimientos de arte occidentales y sus pinturas tienen poca diferencia de trabajos de arte occidentales.

Influencia en arte occidental

Al principio del vigésimo siglo, los artistas tienen gusto Picasso, Matisse, Vincent van Gogh, el Paul Gauguin y el Modigliani eran enterados de, y fueron inspirados cerca, arte africano. En una situación donde estaba straining la vanguardia establecida contra las restricciones impuestas sirviendo el mundo de aspectos, el arte africano demostró la energía de formas supremo bien organizadas; producido no sólo respondiendo a la facultad de vista, pero también y a menudo sobre todo, la facultad de la imaginación, emoción y místico y experiencia religiosa . Estos artistas vieron en arte africano una perfección formal y la sofisticación unificó con energía expresiva fenomenal.
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